求古典音乐概要
人们有时将严肃音乐或艺术音乐称为古典音乐，以区别于所谓的“流行”音乐或娱乐音乐。这种对“古典”的广义解释，完全抛开了历史时期和风格。因此，原本属于不同时期、不同风格的音乐作品，如巴赫、贝多芬、柴科夫斯基，甚至斯特拉文斯基的作品，都可以称为古典音乐。
音乐史上的古典时期基本属于器乐，作曲家大多以器乐体裁和形式为主，声乐退居二线。敢于与大主教决裂的莫扎特对歌剧的贡献很大，但器乐作品也很丰富。至于贝多芬，他纯粹是一个器乐作曲家。他以革命中的英雄人物作为作品的主角，因此他有时被称为革命古典作曲家。古典主义的规范化建立了奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响乐等多乐章体裁和快板奏鸣曲形式。在古典作品中，节奏和配器色彩是灵活多变的，而不是整个乐章；古典作品中所有的声音，甚至演奏的力度，都是由作曲家自己书写和标注的，而不是留给演奏者在演奏时即兴发挥。至于感情的表达，由于理性精神的影响，古典作品往往是内敛而冷静的，而不是热情洋溢地倾诉——从这个角度来看，巴洛克风格与古典主义完全不同，但更接近于后来的浪漫主义精神。
西方古典音乐是西方文明极其重要的一部分。西方古典音乐作品浩如烟海，但在我们的传统印象中，由于历史文化的原因，西方古典音乐很难被欣赏，成为了一种高雅文化。其实古典音乐中有很多脍炙人口的音乐作品和片段，在我们的生活中受到人们的喜爱。
霍夫曼曾经说过，“音乐是所有艺术中最浪漫的——几乎是唯一真正浪漫的艺术，因为它唯一的主题是无限。音乐向人类揭示了一个未知的王国。在这个世界上，人类抛弃了一切清晰的感觉，沉浸在无法言说的欲望中。”
欧洲艺术史上有两个重要时期，古典主义时期和浪漫主义时期。前一个时期包括十八世纪的最后二十年和十九世纪的头十年；另一个时期形成于19世纪下半叶，受法国大革命引起的社会和政治变革的影响。当时的浪漫主义真的是无孔不入，文学、建筑、艺术等各个领域都涌现出了一大批优秀的浪漫主义者。
在浪漫主义时期，随着工业革命的进步，钢琴也得到了改进。它采用了铸铁结构，弦也变粗了。这种钢琴可以得到更丰富、更辉煌的音乐，接近现在的钢琴。接下来我用一个事实来证明这一点:如果李斯特所处的时代要求他有不同的表达方式，并且因为这个时代为他提供了不同效果的钢琴，那么这种钢琴在更早的时期是找不到的。但这种比较只能在音乐文学中找到，在现实社会中很难找到。
19世纪有奥地利的舒伯特，波兰的肖邦，匈牙利的李斯特，德国的舒曼，门德尔松和勃拉姆斯，还有他们同时代的人，在探索钢琴技术的可能性和戏剧性方面表现出无尽的独创性。总之，随着短抒情形式的出现，作曲家们会认为音乐的大小并不是艺术批评的标准，一首优美的、精心创作的小曲也可以媲美一部交响乐。
一首完美的诗本身就是完美的，不需要有最高的想象力。浪漫艺术歌曲的创作者非常成功地将歌词与音乐结合在一起。正是因为有了这些音乐作品，很多抒情诗才能流传下来。
歌曲的结构可以分为两类。在音段形式中，同一旋律在诗的每一段或每一小节中重复。这是民谣和流行歌曲中很常见的结构。歌的第一段可能是关于一个爱人的期待，第二段是关于他遇到爱人时的喜悦，第三段是关于女孩的父亲暴力分开他们，第四段是关于女孩伤心的死亡，都是同一个调子唱的。另一种形式被德国人称为“durchkompoiert”，字面意思是“综合创作”，也就是说作曲过程贯穿整首歌，没有重复。还有一种中间形式，将分段歌曲中的重复与完全创作歌曲的自由结合起来。同一个旋律有两到三个重复，然后在必要的时候引入新的旋律，通常是在高潮的时候。舒伯特的流行小夜曲是这种结构的一个极好的例子。
虽然歌曲在每个时期都发挥了突出的作用，但是通过很多欧洲音乐文献，我们知道艺术歌曲是浪漫主义时期的产物。艺术歌曲是在19世纪早期由诗歌和音乐结合而产生的。舒伯特和他的继任者，特别是舒曼和布莱恩，使这种结合达到了如此完美的艺术效果，以至于这种新风格是基于德国歌曲:Lied，我听说了欧洲的名胜古迹。
艺术歌曲随着抒情诗的兴起而繁荣。抒情诗的兴起是德国浪漫主义的标志。艺术歌曲使浪漫主义时期将音乐与诗歌结合的愿望得以实现，包括柔情或戏剧性的民歌。艺术歌曲中最常用的主题是爱情、期待、自然之美和生活中稍纵即逝的幸福。
19世纪钢琴作为一种普通乐器出现在欧洲，使得浪漫主义艺术歌曲获得成功。钢琴伴奏将诗歌中的意象转化为音乐中的意象。人声和钢琴* * *创造了充满情感的短抒情形式，同样适合业余爱好者和艺术家，也适合在家里和音乐厅演唱。在很短的时间内，艺术歌曲获得了巨大的知名度，为世界艺术做出了永久的贡献。
标题音乐是带有文字或画面联想的器乐作品，这些联想的内容是由音乐的标题或注释提示的。“标题”只是作曲家自由添加的。当时，音乐家们敏锐地意识到他们的艺术与周围世界的联系。这种意识使他们的音乐更接近于诗歌和绘画，并使他们的作品涉及当时的道德和政治问题。也促使他们以新的方式去探索绝对音乐(纯音乐)的形式。关闭
标题音乐在歌剧院获得了最初的推动力。作为歌剧(或戏剧)的引子，序曲是一种激动人心的一乐章管弦乐。许多歌剧序曲后来变得像音乐会音乐一样受欢迎，所以它们独立了。这为一部与歌剧无关的新序曲开辟了道路。
有一种片头曲是为戏剧写的，也很吸引人。通常由序曲和幕间及重要场景播放的一组音乐组成。这是配乐。19世纪的作曲家创作了很多这样的作品，这些作品的调式绘画、个性、剧场效果都值得关注。最成功的音乐作品通常会被改编成组曲。其中一些非常普遍。例如，德国著名作曲家门德尔松为《仲夏夜之梦》创作的音乐就是这类音乐的典范。随着19世纪的流逝，越来越需要一种大规模的管弦乐形式，它将在浪漫主义时代发挥与交响乐在古典时期同样的作用。到19世纪中叶，交响诗的创作迈出了这期待已久的一步。交响诗是对19世纪大型器乐形式的独创性贡献。是李斯特的成就，他在1848首次使用了这个词。他的前奏曲是这种音乐最著名的范例。
交响诗是为管弦乐队创作的单乐章标题音乐作品，它通过段落之间的对比来发展诗歌，使人想起某种情景或创造一种情感。交响诗还有一个非常好听的昵称:印石。交响诗和音乐会序曲之间有一个重要的区别。音乐会序曲一般保留了传统的古典观念，而交响诗在形式上要自由得多。交响诗的形式是作曲家需要的大型单乐章音乐的“画布”。总之，交响诗在十九世纪下半叶成为标题管弦乐最精致的形式。
最后介绍了标题音乐进入了绝对音乐的神圣领域——交响乐。作曲家们一方面尽力保留贝多芬的宏大形式，同时又赋予其文学内涵。因此出现了标题交响乐。著名的作品包括法国作曲家柏辽兹的三部交响曲——《幻想曲》、《哈罗德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》、德国作曲家理查德·施特劳斯的《阿尔卑斯山》、匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》。
民族主义者和民族艺术家是站在一起的，但民族主义者以更自觉的方式肯定自己的民族传统。在19世纪的欧洲，当时的政治条件促进了民族主义的发展，使其成为浪漫主义运动中的决定性力量。征服民族的傲慢和被征服民族争取自由的斗争造成了民族关系的紧张，使民族情绪高涨。这种情绪在音乐中找到了理想的表达方式。浪漫派作曲家用多种方式表达他们的民族主义。有些作曲家把自己的民族歌舞作为音乐的基础，如肖邦的玛祖卡，李斯特的匈牙利狂想曲，德沃夏克的斯拉夫舞曲，格里格的挪威舞曲。一些作曲家根据民间传说或农民生活创作戏剧作品，如韦伯创作的德国民间歌剧《自由射手》，斯美塔纳创作的捷克民族歌剧《被背叛的新娘》，以及柴可夫斯基和林斯基·科萨科夫创作的俄罗斯神话歌剧和芭蕾舞剧。其他作曲家写交响诗和歌剧，赞美民族英雄的成就，历史事件或祖国的美丽风景。柴可夫斯基的《1812序曲》和斯美塔纳的《我的祖国》是这一趋势的代表作品。瓦格纳的音乐剧歌颂了德国神话和民间传说中的众神和英雄，尤其是《尼伯龙的指环》(哥特摇滚的先驱)，这是一部以齐格弗里德的生与死为中心主题的巨大史诗，也是一部杰作。
民族主义作曲家经常将自己的音乐与民族诗人或戏剧家的诗歌相结合，如舒伯特为歌德的诗歌作曲，格里格为易卜生的皮埃尔·根特谱曲，柴可夫斯基根据普希金的戏剧创作的歌剧。俄罗斯民族诗人普希金也启发了林斯基·科萨科夫和穆索尔斯基。在这一时期，民族主义作曲家可以用激动人心的方式表达人们的愿望，就像威尔第在意大利争取统一时所做的那样，或者西贝柳斯在19世纪末在芬兰反抗俄罗斯统治者时所做的那样。
民族主义音乐的政治意义触动了统治者。威尔第的歌剧不得不一再修改，以适应奥地利检察官的想法。19世纪末20世纪初芬兰要求独立时，西贝柳斯的声乐诗《芬兰颂》被沙皇查禁。民族主义给欧洲音乐的词汇增添了魅力和活力。通过在音乐中注入对祖国的热爱，民族主义使作曲家能够表达数百万人的愿望。总之，民族意识渗透到了19世纪欧洲精神的方方面面。没有民族意识，浪漫主义运动是难以想象的。
音乐、绘画、文学中的异国情调，展现了遥远国度特有的气息和色彩。换句话说，浪漫主义运动大大加强了这种倾向。19世纪的异国情调首先表现在北方民族对南方温暖和色彩的向往，其次表现在西方对东方神话场景的追求。前者促进德国、法国和俄罗斯作曲家转移作品，表达意大利和西班牙引起的灵感。在这些众多的作品中，有几首俄罗斯作曲家的名作:格林卡的两首西班牙序曲，柴可夫斯基的意大利随想曲和林斯基-科萨科夫的西班牙随想曲，德国对门德尔松的意大利交响曲的贡献，沃尔夫的意大利小夜曲和理查德·施特劳斯的《致意大利》，法国的作品有夏布里的。值得一提的是，比才的《卡门》也是这方面的代表作。
俄罗斯民族音乐学校对东方的魅力产生了国际影响。由于俄罗斯帝国与波斯接壤，这种异国情调实际上是一种民族主义。亚洲神话背景渗透俄罗斯音乐。林斯基-科萨科夫的华丽管弦乐作品《谢赫拉查达》及其歌剧《萨特库奥》，鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》及其交响诗《中亚大草原》，伊波里托夫-伊万诺夫的《高加索速写》等都是具有东方色彩的作品，这些作品至今仍风靡全球。一些法国和意大利作曲家也采用了异国情调，如圣伊冯娜的《参孙和黛利拉》,德利布的《拉克什米》,马斯奈的《泰斯》,威尔第的《阿伊达》,普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》和《图兰朵》。
知道如何欣赏西方古典音乐也很重要。进入古典音乐殿堂最简单的方法就是感官欣赏，也就是满足于音乐的直观感受，也就是说你觉得音乐的旋律很美或者有一定的力量，给人力量，鼓舞人的精神。你认为的好声音、好音乐不用考虑其他内涵。如果你有一个好的音响，你会更喜欢听，听起来轻松舒适。时间久了，你很快就会进入古典音乐的殿堂。另一个进步是对古典音乐情感的欣赏，即通过感受音乐的所有元素来体验和理解音乐的情感。在欣赏的过程中，要对音乐的节奏、旋律与和声、音色、力度、速度、调式、形态、织体等进行理解和分析。节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍的周期性和有规律的重复。我们应该旋律也叫旋律，音乐的起伏是按照一定的节奏有条不紊地横向组织起来的。在欣赏音乐的过程中，我们的思想一定要跟着旋律走，我们的基本感觉一定要找到。如关卡进行时柔美、宁静、递进、跳跃，主题推向高潮，下行表现一般激烈而平静；和声也叫和弦的运用。一般欧洲古典音乐都是多声部音乐。如果旋律横向进行，和声纵向进行，这样音乐就会饱满，有气势。音乐的力度、速度等要素我们可以适当学习一些音乐常识来掌握。欧洲古典音乐作品的形式、和声、织体都非常规范严谨。我们可以用这些知识去体验和理解，并不难体会到利己主义的欧洲古典音乐情感的欣赏。
欧洲古典音乐欣赏的最高境界是理性欣赏，即不仅要体验和理解音乐的情感，还要分析和评价音乐作品的形式、内容、民族特色、社会价值和艺术价值。要达到这个境界，必须了解和欣赏欧洲古典音乐的三个要素，即创作背景和演奏者的再创作；欣赏者自己的理解。欧洲古典创作的背景一般可以分为四个时期:第一个时期是巴洛克时期，以被誉为音乐之父的巴赫和被誉为清唱剧大师的亨德尔为代表；意大利的维瓦尔第等。，这一时期的音乐风格优美柔和。第二个时期是古典时期，有海顿、莫扎特、贝多芬等。这一时期的音乐特征具有鲜明的主题和一定的冲突。第三个时期是浪费派和民族音乐派，代表人物有德彪西、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔纳、德沃夏克等。这一时期的音乐背景复杂，作曲形式多样，音乐表现委婉抽象，具有感染力和鲜明的民族风格。第四个时期是现代派音乐流派，以斯特拉文斯基、格什温、马勒等为代表。这一时期的作品富有特色，和声乐器丰富，不是很悠扬，内涵很深，有些是爵士味的，很难理解。欣赏者自己对音乐的理解是基于自己的文化水平。音乐不同于其他学科，它反映的东西是模糊的、抽象的。因此，他们可以充分发挥自己的想象力。比如欣赏柴可夫斯基的《天鹅湖》的场景时，你可以想象一群长着翅膀的少女在宁静的湖面上翩翩起舞，也可以想象一群天鹅在湖面上温柔而缓慢地徜徉。总之，如果你充分发挥自己的想象力，将三个要素有机地联系起来，多听名家的作品，欣赏和思考那些感觉美好的东西，你就进入了欧洲古典音乐欣赏的最高境界。
学习、了解和欣赏欧洲古典音乐，会给我们的生活增添无限乐趣。