水彩画和中国画的区别

(1)中国画的概念。中国画，简称“国画”，主要是指我国传统的水墨画[以墨为主，不带或少带色彩]和彩墨画[也用墨，但用色重，包括不带墨的无骨画]。它是以水为媒介，用毛笔、墨、矿物颜料和植物颜料在宣纸或丝绸上作画的绘画形式。“国画”一词是“绘画范畴”的一个概念，以区别于西画。中国画按艺术技法可分为工笔、写意、兼笔三种形式。工笔以极其细腻的笔触描绘物体，笔触工整细致，色彩渲染层层叠叠，细节刻画细致入微，故称“工笔”。工人，整洁的意思。写意，就是用大胆简练的笔墨描绘物体的形状和精神，抒发作者的感情。写意要求一个画家有高度的概括能力，创造出事半功倍的精妙意境，运笔准确，笔力娴熟，切中要害。兼职写作是工笔和写意的综合运用，有的偏工，有的偏写，等等。此外，还有一幅无骨画。无骨画也叫无骨画。在国画中，画家画物体的轮廓和脉络时，一般都是先用墨汁来画。这种画法属于骨画法，这里所谓的“骨”就是墨线。无骨画是一种不用墨线直接用色彩造型的国画。在无骨画中，还有一种画和水彩画很像，我们称之为肖像画。因为这幅画和水彩画很像，所以要单独研究它的异同。在下面的讨论中，我们暂时不列举无骨画，尤其是肖像画，以减少本文的篇幅。从艺术的角度来说，中国画也可以分为人物、山水、花鸟三大分支，而中国画中的动物、鞍马、昆虫、瓜果蔬菜可以分别归入这三大类。

(2)水彩画的概念。水彩画起源于西方，在欧洲文艺复兴时期得到发展。也是一种以水为介质，用色彩鲜艳、大多透明的水彩颜料在白纸上作画的绘画形式【白纸是一种“硬白纸”，比如我们通常说的白报纸，中国画专用的“软白纸”——宣纸一般不用】。在大的概念上，我们可以认为水彩画是以“色”为原料，以“水”为媒介【油画就是把颜料和油混合在一起】，在特制的“硬白纸”上作画，非常注重光影效果的一种色彩丰富的绘画形式。

二、中国画和水彩画在主要工具材料上的异同

(3)画纸。水彩画和国画都是以白纸为主。中国画用宣纸和丝绸。宣纸分生熟，但都很软，可以说是“软纸”。中国画的工具和材料的表现也决定了中国画的特点。尤其是用绢和纸作画，更容易发挥笔墨趣味。宣纸的渗透特性，加上毛笔的刚柔相济，使笔墨变化无穷。水彩画用的是有一定硬度的白纸，比如法式拱门水彩纸。与宣纸和丝绸相比，水彩纸可以说是“硬纸”。理想的水彩纸纸面洁白，质地坚实，吸水性适中，遇水后纸面平整，纸纹也分厚薄。

(4)墨色和黑色。在中国画中，墨起着非常重要的作用，也有墨分五色的说法。在水彩画中，只有黑色颜料。对于这种黑色颜料的使用，水彩画没有国画那么讲究。

(5)刷。水彩画和中国画都是以毛笔为主。只是因为历史原因，两把刷子在外观上有些不同，但本质上并没有明显的区别。中国画用的毛笔，水彩画用的毛笔，要有一定的弹性和含水能力。在实际应用中，两把刷子也可以一起使用。比如国画中常用的狼毫刷、白云刷、山水刷，都可以用来画水彩画。

(6)砚台和调色盘。调色板是水彩画家和中国画家不可缺少的绘画工具。砚台是中国画家不可或缺的绘画工具之一，而水彩画家根本不需要砚台，几块调色盘就行。

(7)颜料。从原料来源来说，水彩颜料和国画颜料基本相同，都是来自动植物、矿物和化学合成【国画中的化学合成颜料是后来借鉴水彩颜料而来的】，但也有很多不同之处。

【7-1】中国画用的颜料有两种:一种是矿物，如朱砂、赭石、石青、石绿、石黄、白粉、金粉、银粉；另一类是植物，如菁、藤黄、胭脂、品红等。因为国画所用的颜料多为天然矿物或动物外壳的粉末，能抗风日晒，长久不变。如敦煌壁画、汉墓壁画，至今仍保持鲜艳的色彩。水彩颜料有容易褪色的缺点。水彩作品在一定时间后容易褪色，特别是在阳光和空气的接触下，变化更快。这是因为水彩画使用了玫瑰红、紫罗兰、藤黄、草绿等多变的颜料。

【7-2】有不同种类的颜料。水彩画的种类远远多于国画颜料，色彩层次丰富，色彩鲜艳。常用的水彩颜料有柠檬黄、中黄、卡其色、朱红色、卡其色、深红、玫红、草绿、翠绿色、群青、蓝色、熟棕、煤黑等。

【7-3】两种颜料在“硬白纸”上的光晕效果相似，即基本不晕；但在宣纸上，国画颜料的晕染效果很强，而水彩颜料基本不晕染，显得有点“油”。这是因为水彩颜料中含有少量的甘油。

【7-4】国画颜料所用的原料，要经过磨、炼、沉、消等制作工艺，分为深、浅、细、粗，再进行精选，但一般来说颗粒较粗。水彩颜料虽然也是从动物、植物、矿物中提取的，但其颗粒比国画颜料细得多。溶于水后，晶莹细腻，如果一层一层地涂在白纸上，也有晶莹剔透的效果。水彩颜料很多颜色经过水调和后都是透明或半透明的，其中蓝色、柠檬黄、翠绿色和玫红最透明，其次是群青、橙黄色和朱红色。而土红、土黄、煤黑、棕都不是很透明，但如果多加水，降低其浓度，也能出现透明效果。水彩颜料中的群青、赭石、土红等矿物颜料单独使用或与其他色调混合使用时容易沉淀。

(8)掺合剂。中国画和水彩画都是用水作为颜料的调和剂。水在中国画和水彩画中都起着非常重要的作用。无论是中国画还是水彩画，对水的使用都有很多讲究。绘画时，水量的多少取决于绘画主题和画面效果，与所选纸张的吸水性有直接关系。气候的湿度也影响水的使用。但总的来说，水有三个作用:一是调和颜料；二是把纸弄湿；第三种用于涂抹彩色墨水。比如水彩画，一般的绘画程序是先把画纸弄湿，然后再加颜料。如果第一遍涂刷深度不够，需要第二遍和第三遍涂刷。方法是将纸张打湿，最后一层涂料干后继续在上面作画。国画中的工笔画法也是需要分层画的，这也要求上一层画干了再继续画下一层。在中国画中，尤其是在写意中，恰当地用水来调配彩墨，可以达到“淋漓尽致”的效果。其中，水起着至关重要的作用。

(9)覆盖液体和明矾。在水彩画的绘画过程中，画家为了达到一定的绘画效果，往往会使用遮盖液。国画材料里没有覆盖液。在中国画中，还有一种特殊的材料，是其他画种所不用的【当然也包括水彩画】。这是明矾。国画中的明矾可以用来煮纸[就是将生宣纸熟化]；二是在一定程度上可以作为彩色墨水的封闭液，起到一些覆盖液的作用；第三，可以直接作为绘画颜料，比如冰雪画。

三、中国画和水彩画在绘画观念上的异同

(10)绘画设计。国画讲究意为先写，水彩画以写实为导向，注重写实和淡彩的运用。晋代画家顾恺之提出“巧近精思”。唐代张彦远在《历代名画笔记》中说:“丈夫的形象必须塑造，塑造的形象必须充满骨气。骨形相近，皆依大意，属笔。”他认为，只有想法先来，画中才会有奇怪的意义。清代放勋在他的《山居静物论画》中也强调了意境与绘画的关系:“作画必先定位，意为奇，意为高，意为远，意为深，意为古。”他认为平庸的画会平庸，庸俗的画会庸俗，因为他们缺乏画家最珍贵的“立意”。“意义”从何而来？来自画家对现实生活的丰富观察和创作经验的充分积累；来自于画家自身的修养。虽然西方画家也重视绘画的思想，如意大利文艺复兴时期的画家达芬奇所说:“一个画家应该描绘两个最重要的东西，人和人的思想和意图。”而西画对意境的要求远不如国画，这就把它放在了第一位。一般来说，西洋画【包括水彩画】更注重如何写实，如何造型，如何表现光色。

(11)绘画意向。中国画讲究绘画的寓意和象征，水彩画强调唯美。中国画的山水、花鸟往往包含象征意义，如梅花和松树象征着与寒冷和冰雪作斗争的不屈不挠的精神，莲花和竹子象征着高贵。明代王克玉在《珊瑚纲》中说:“古人绘画，寓意深刻，落笔皆有主。”水彩风景画和水彩静物画主要追求画面之美，注重光色的和谐，但绘画内容处于次要地位。

(12)审美要求。中国画讲究以形传神。水彩画以淡色取胜。“以形写神”是晋代画家顾恺之的一句名言。在中国画中，“神”高于“形”。在这种审美观的指导下，人不仅要外貌相似，还要精神相似，而且后者比前者更重要。水彩画的重点首先是形似，对“画中神韵”的追求远没有国画那么强烈。中国画，尤其是写意，追求一种“美在似与不似之间”的感觉。而水彩画则强调“以形入画”[当然完全不强调“神”的表现]，注重画面的整体性和概括性。有人说，西画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术。这种说法确实有一定道理。近百年来，西方画坛出现了抽象画派和印象派，在他们的绘画中，开始追求绘画中的意境和神韵。

第四，作文规则的差异

(13)比例大小。水彩纸一般长度较小，多为半米见方，更注重长宽比例，一般符合黄金分割定律。许多中国画的长宽比例，如纸张、长卷或立轴，根本不符合黄金律，但它能很好地表达特殊的意境和画家的主观兴趣。

(14)透视法。水彩画遵循透视、解剖、色度学原理，基本技法是利用焦点透视在平面上创造三维空间。国画既用焦点透视，也用散点透视，但散点透视构图是应用最广泛的方法。这样就可以移山倒海，也就是在形象出现的时候，可以根据艺术需要延长或缩短，改变位置，以获得最佳的视觉效果。这是我国古代画家根据艺术表现的需要而创造的一种独特的透视方法。我们知道，北宋张择端的《清明上河图》采用了散点透视法。它以汴河为中心，从遥远的乡村画卷到热闹的“虹桥”。观众可以看到城市和乡村；你既可以看到桥上的行人，也可以看到桥下的船只；你不仅可以看到附近的阳台树，还可以看到远处的街道和河流。而且无论站在哪里，景色的比例都差不多。如果按照西洋画的焦点透视画，很多地方是画不出来的。

(15)图片空间。国画的构图法则中，还有一条也很重要，水彩画一般不用。这是把白的算作黑的。在国画中，既有严守真实的场面和留白，也有打破真实，根据构图需要而具有艺术性的场面和留白。这种应有的或人为设计的空白画面，在中国画中占有重要地位。把画面留白作为绘画一部分的做法，就是所谓的“以白计黑”。中国画特别注重对留白的管理，往往借用书法的手法，以白为黑，即没有画的部分要像有画的部分一样仔细推敲和处理。水彩画也有“留白”的说法。水彩画的“空白”是指画较深的颜色时，需要先省去一些淡白的部分。恰当准确的留白或浅色也会增强画面的表现力。

5.中国画和水彩画在绘画技法上的异同。

(16)不同的建模方法。中国画是用线条造型的，水彩画是用光影造型的。中国画最重要的一个特点就是以线造型，以形传神；用珐琅的方法区分阴阳的明暗，只画其形不画其影。首先，中国画家是通过线条和笔触来画出轮廓、阴阳、肌理和体积的。同时，在中国画家眼中，线条是表达作者思想感情的重要手段。中国画家对山水、服饰图案的线条积累了大量的线型，如“十八笔”和各种画麻、斧劈、荷叶、米点等方法。这些都是水彩画所没有的。水彩画也用线条和飞白【类似国画】来塑造形象，但水彩画的基本造型方法是光影。西洋画【包括水彩画】更注重通过光线和色彩来表现物体的质感和空间感。没有形式、结构、明暗的具体内容，线条本身就没有价值。

(17)色彩的概念和应用是不一样的。中国画重视色彩的设置，所以在古代，画工被称为“画工”。丹是朱砂，青色是靛蓝，都是绘画中常用的颜色。设色是古代画家必须掌握的基本技法。但总的来说，中国画家对色彩的理解，用色的观念，上色的方法都和水彩画家有很大的不同。

【17-1】中国画的景物不像西洋画那样讲究物象的形状、物象上的光和色的变化以及画面的明度【布景较暗】，而是更注重景物的神韵和形似，讲究“以形传神”、“形神兼备”。

【17-2】用类上色是中国画的基本原则，用光上色是水彩画的基本原则。国画更注重物体本身固有的色彩，而不是强调特殊光线下的条件色。当你画一个物体时，你给它一个基本的颜色。国画中的基本色只是一种近似色【是用类而不是用物上色的，更不用说用光了】。虽然有时会有浓、淡、干、湿等不同的色彩，但目的不是为了表现物体的光感，而是为了打破停滞，从而获得色彩本身丰富的变化和生动的魅力。

【17-3】国画的设色往往带有画家的主观色彩，甚至抛弃物象本身的色彩而采用人为想象的色彩，如朱朱、朱模、墨兰、墨梅等。我们可以称之为“带情绪的颜色”。

[17-4]我喜欢用对比强烈的原色。中国人习惯用红、黄、蓝、白、黑作为“五原色”，其中以黑白为主。中国画讲究“黑白分明”，对比强烈。比如大绿山水一般的画法是:用大面积的石绿和石青画岩石，用泥金勾勒轮廓，用白粉堆染山云，用朱砂点出冯丹。这样青山白云红树林就形成了强烈的对比。

【17-5】国画中的水和天一般不着色，而是用纸的空白来表现。古人说“素为云，地为雪”，这就是表达方法。虽然没有画出云和水，但是可以表现出云和水的存在。

【17-6】在中国画中，墨与色是密不可分的。对于水墨，中国画强调揉、擦、光、染的相互作用，干、湿、浓、淡的合理配置，塑造形体，烘托气氛。国画用墨之美，在于浓淡搭配。总的来说，宋代以前的中国画非常讲究设色，但文人画兴起后，提倡“意足而不求色”，浅色逐渐成为中国画的主流。在今天看来，苍白的色彩已经不能充分体现当代人丰富的物质生活和精神面貌。要在继承传统色彩经验的基础上，吸收新的营养，创造新的色彩理论和新的色彩世界。

(18)着色的具体方法有很多相似之处。比如国画中的工笔画，以多层平涂为主，每层都要等一层干透；写意画的上色一般是一次到位。水彩画以平涂为主，也需要分多次、分层次画【等一层干透】才能达到理想的效果。但也有一些不同之处。这种差异主要是绘画材料和绘画观念的差异造成的。

【18-1】水彩画分为干画和湿画。干画也是多层画。它采用层涂的方法，在干燥的底色上反复上色，不求渗透效果，多用于表现明确清晰的形体结构和丰富的色彩层次。干法涂装可采用分层涂装、遮盖色、收色等具体方法。层涂是在前一层颜色干透后再涂下一层颜色，有些地方需要两三遍。盖色也是一种干涂。当图片中几种颜色不够统一时，可以通过封面色统一。比如一块颜色太暖，一层冷色可以改变它的冷暖属性。这种方法常用于画面的最后调整。配色是相邻不同色块之间的过渡连接，以增加颜色变化。湿画可分为湿叠和湿着色。湿叠是将画纸打湿或部分刷上，等画纸干了再上色，或者等上一层干了再给下一层上色。这种方法多用于表达雨雾气氛和湿露的湿润味道。湿色连接是画面末端相邻不同色块之间的过渡连接，通过水色流动表现颜色的渐变。

【18-2】中国画的上色有两种方式:重彩和淡色。重彩法多用于在熟宣纸上画工笔画。以绿色为主，故称“绿色景观”。需要先用淡墨勾勒轮廓，然后层层上色，最后用浓墨勾边缘线点青苔。常用的着色方法有渲染、叠染、遮染、衬托等。渲染法是同时用两支笔，一支蘸色，一支蘸清水，使颜色模糊，解决颜色由浓到淡的过渡问题。过染就是把颜色一层一层的染，让颜色逐渐加深到画面需要的程度。要求是前一层干燥后才能上色下一层。盖染就是先打基础再盖色。选择不同的背景色和封面色可以产生丰富的色彩效果。比如花蓝色被套的绿色有一种强烈而凝重的感觉，赭色被套的绿色有一种鲜明而温暖的感觉。衬托是在纸的背面涂上一层与正面景物相对应的颜色，使正面的色彩更浑厚或鲜艳，如用石青衬汁绿，石青衬石青。淡彩法适合写意或半工半写的绘画，以水墨为主，色彩只起辅助作用。要用淡彩法，首先要把墨骨画好，墨骨是可以画好的，只要画家轻轻一划。光色法以赭石为主色调的称为“浅绛山水”，以绿松石为主色调的称为“小绿松石山水”。浅绛色景观强调热色，绿色景观强调冷色。国画也讲究主色和冷热色的搭配，如所谓“万绿之中一点红”。另外还有一种泼彩法，是在泼墨法的基础上，借用工笔花鸟画的水冲击、色彩对比等方法，达到水、墨、色交融的艺术效果。

(19)用笔有一定的讲究，但中国画对用笔要求更严格。中国画讲究书法用笔，水彩画对用笔采取务实的态度。在中国画中，钢笔强调厚度，快速，挫折，转弯和方圆来表达物体的纹理。一般来说，起笔和停笔都要用力，中间的气不能断。你要像弓一样弯，像尺子一样直，也就是用笔。笔墨一词被认为是中国画技法的总称。它不仅是塑造形象的手段，而且具有独立的审美价值。笔触也是水彩画不可或缺的因素，用笔的好坏也直接关系到作品的成败。恰当的笔法可以提高作品的表现力，使画面生动传神。水彩画要求附近物体对比清晰，笔内水分少【干笔】；远处的物体模糊不清，笔内含水较多【湿笔】，从而产生空间感。不管是干的还是湿的，运笔的速度都要果断有力。水彩画是加法，绝大多数情况下落笔也是无悔的，所以也要求尽量一步到位用色。

(20)特殊技术有其用途。水彩画的特殊技法有刮刀法、蜡笔法、吸洗法、喷水法、撒盐法、对比印刷法、油渍法等。刀刮是用普通削笔刀刮的一种方法，是一种破坏纸张，造成特殊效果的方法。蜡笔法是在上色前用蜡笔或油画棒涂在一定的位置上，上色时上蜡的部分自然省去。这幅画可以用来表现稀疏的树叶，夜晚的灯光，复杂的人群等等。吸洗法是在颜色干透的情况下，用吸水纸吸收画面的部分颜色。喷水法是在上色前或上色干时，在画面上喷水，使画面显得被毛毛雨打湿。撒盐法是在颜色干透时撒上细小的盐粒，使画面干透后会有雪花般的质感效果。反印法是将一般的颜色画在玻璃板或涂有塑料的光滑纸上，然后将纸盖在上面，将颜色印在上面【稍加处理就可以做出一幅水彩画】。油渍法是利用油和水不相溶的特性，在上色时蘸一点松节油，使画面出现多彩的油渍效果，使色块增大变化。特殊技法的形成与绘画材料有直接关系。水彩画的一些特殊技法被中国画借鉴了，有些则不能用。比如水彩画用的是“硬纸”，艺术家可以用刀、铅笔、棍子在纸上做出划痕，这在中国画专用的宣纸上是不可想象的。国画中用明矾控制彩墨的技法，用洗衣粉、洗洁精、盐扩散彩墨的技法，都是用宣纸这种特殊的绘画载体来更好地实现的。

6.中国画与水彩画在后期处理上的异同。

(21)题跋和印章是中国画特有的，也是区别包括水彩画在内的西洋画的重要特征之一。中国画善于把诗、书、画、印结合成一个不可分割的整体。它可以通过题刻、印章来提高或补充观者的欣赏和理解，也可以丰富画面的变化，起到相互衬托、相互突出、点缀、平衡构图的作用。

七、中国画和水彩画在画面感觉上的异同。

(22)水彩画和国画在工具材料和绘画技法的特点上有很多不同，所以视觉感受和心理影响也不同。一幅好的水彩画给人的视觉印象，表现在色彩鲜艳，晶莹剔透，润泽流畅，柔韧自然，淋漓生动。中国画给人的第一印象是意境，其次是画背后的意蕴，第三是构图、线条、色彩带来的美感。其实意境也是美感，只是一种宏观的、高级的、模糊的美感。在中国画中，最讲究的就是所谓的“气韵生动”。神韵是中国画家的艺术精神。一幅好的中国画应该是充满生命的，清新活泼的，具有抒情诗一般的魅力，使观者神往。如果没有表现出这种艺术境界，就不符合中国画的基本要求。

总之，从大的方面看，中国画和水彩画的主要区别是:中国画善用线条，而西洋画线条明显；国画不讲究透视，西画很讲究透视；中国的人物画不讲解剖，水彩人物画很重视解剖。中国画不讲究背景，水彩画讲究背景。随着时代的进步，尤其是“五四”以后，随着西洋画的传入，中国现代画家在继承传统技法的基础上，不断吸收素描、油画、水彩画等各种技法，极大地丰富了国画的表现技法。一些画家也在工具和材料上不断创新，将西洋画的技法与中国画的传统技法巧妙融合，为中国画带来了新的活力。我们希望有更多融合中西风格的画作出现！